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FILMOTECA. Pere Portabella: Cinema, art i política

El rebuig de la trama convencional -pròpia del cinema argumental- i la connexió entre avantguarda i política han estat els elements clau que han situat Portabella com una figura fonamental en el desenvolupament d’un cinema conceptual que, a principis dels anys setanta, s’erigia com a moviment contestatari envers la direcció cultural del franquisme.

 Primer com a membre de l’Escola de Barcelona i després lluny dels postulats d’aquesta, l’artista i exsenador ha contribuït a la transgressió de la narrativa convencional amb una mirada única que l’ha portat a exhibir la seva obra en institucions tan il·lustres com són el MoMA, la Tate Gallery, el Centre Pompidou, el Museu Reina Sofia i el MACBA.

Aquesta retrospectiva es programa en sintonia amb l’exposició Pere Portabella. Cinema, art i política, inaugurada aquest mateix mes al Museu Can Framis  de la Fundació Vila Casas. A la vegada, també ret homenatge al músic recentment desaparegut Carles Santos, el qual va establir una col·laboració ininterrompuda amb Portabella. Ambdós van establir una brillant relació de sincronies inesperades entre imatge i banda sonora.

El mateix Portabella ha seleccionat el contingut de les cinc sessions programades a la Filmoteca, entitat que actualment conserva la totalitat dels materials que integren la seva obra. El director presentarà personalment la inauguració el cicle, dimecres 14 de febrer, amb la projecció d’Umbracle, a partir d’un guió de Joan Brossa, que serà alhora un homenatge pòstum a Carles Santos, creador indestriable de la filmografia de Portabella, amb qui va col·laborar sovint en la banda sonora i fins i tot en el guió, en títols com Die Stille vor Bach i Pont de Varsòvia, també presents al cicle.

La visió panoràmica de l’univers Portabella, Premi Nacional de Cinema el 2009 i Gaudí d’honor el 2012, es completa amb Vampir-Cuadecuc i es tancarà el 28 de febrer amb una taula rodona i tres peces curtes: Art a Catalunya i No al No, de nou amb l’estreta complicitat de Carles Santos, i Mudanza, particularíssim homenatge a Lorca rodat a la seva casa museu a la Huerta de San Vicente a Granada. A la taula rodona intervindran el cineasta Albert Serra, el catedràtic Josep M. Català, el director de fotografia Tomàs Pladevall i Esteve Riambau, director de la Filmoteca de Catalunya.

Del 12 de febrer al 23 de juny.

Llamadme Ismael. Moby Dick al Teatre Goya.

MOBYDICK1_NEW_WEB_HEl capità Ahab és un dels grans personatges de la literatura universal. Un ésser que evidencia l’obsessió humana que va més enllà de la raó, capaç de consumir la voluntat i eliminar qualsevol element bondadós de l’ànima.
De Moby Dick s’han realitzat múltiples adaptacions, algunes més properes a l’original que d’altres. Aquest muntatge està inspirat en la solitària figura d’Ahab i la seva lluita contra la balena. I convida l’espectador a fer un viatge a les profunditats de la bogeria d’un home capaç de tot per satisfer la seva obstinació.
Un espectacle total, valent i innovador.

Primera funció al Teatre Goya el 19 de gener de 2018.

Teatre Goya. Prefiero que seamos amigos.

722x1030_PREFIERO_webPrefiero que seamos amigos”. ¿Quién no ha escuchado en algún momento de su vida esta terrible frase? Una sentencia que condena cualquier expectativa hacia la persona amada, que te destruye la ilusión de ser objeto de deseo, de pasión, de formar una pareja, de ser la media naranja de tu amor. El ‘happy ending’ de tu historia se desvanece y tu amante deseado se convierte en amigo…
En esta entrañable comedia francesa vemos a dos amigos, tan cercanos y tan cómodos en la compañía del otro, que cuando uno quiere cambiar las reglas de la amistad, el otro está totalmente cegado y es incapaz de ver más allá. Aquí está servida la comedia. Uno busca algo más pasional que el sofá, la peli y una pizza en compañía de su amigo charlando e intercambiando historias de conquistas.
Reinan las frustraciones y las palabras están llenas de sentimientos no comprendidos, y las insinuaciones y mensajes sutiles no son captados.
La obra también plantea otro tema universal en el mundo femenino; el abrupto cambio de estatus cuando pasas de una cierta edad. La sensación de ser repentinamente invisible para el sexo contrario.

Como dice la antigua canción inglesa: “No one loves a Fairy when she’s forty” (Nadie quiere un hada cuando tiene cuarenta años).
La lucha interna de la mujer segura de sí misma, hecha y derecha, con toda una vida a sus espaldas, independiente y satisfecha consigo misma, que se enfrenta a la terrible inseguridad y al miedo de no ser nunca más deseada ni dichosa en el terreno del amor. Estás caducada. ¡Se te ha pasado el arroz! Hay que actuar ya o aceptar tu destino de ‘nunca más’.

Esta comedia de aroma fresco y ágil nos lleva en un viaje divertido con giros inesperados, conversaciones salpicadas de ironía, frustraciones y deseo sexual no correspondido. Vemos a nuestros dos protagonistas bailar un tango pero ni con la misma canción ni con el mismo paso.

Las relaciones y la búsqueda del amor nunca son fáciles y aquí disfrutamos de la odisea que es para Claudia y Valentín aprender a quererse.
Con Lolita y Luis garantizamos una noche repleta de flores, deseos, carcajadas y sonrisas.

Tamzin Townsend

Del 29 de noviembre de 2017 al 7 enero de 2018.

Terrence Malick a La Filmoteca. Bon plan.


La condició de persona tímida, reservada i renitent a promocionar els seus films no ha impedit a Terrence Malick guanyar la Concha d’Or a Sant Sebastià, l’Ós d’Or a Berlín o la Palma d’Or a Cannes. Es tracta d’uns premis que, juntament amb els retirs prolongats de Malick, han engrandit la llegenda i el misteri d’un cineasta religiós i únic.

Malick dirigeix els seus propis guions amb un estil poètic que, embolcallat pel retrat profundament líric de la naturalesa, la influència filosòfica de Heidegger i l’ús de la música i la veu en off, busca indagar en la naturalesa de l’esperit humà. És un cineasta essencial de la modernitat que ha merescut una atenció monogràfica per part de la Mostra de Cinema Espiritual de Catalunya.
Imprescindible.

MACBA. ROSEMARIE CASTORO. ENFOCAR AL INFINITO

814981584Rosemarie Castoro. Enfocar al infinito será la primera gran retrospectiva institucional de la obra de Castoro y se centrará en el periodo 1964-1979. Castoro (1939-2015) se inició como artista en los Estados Unidos en un momento en que el minimalismo y el conceptualismo formaban parte de la vanguardia neoyorkina. La exposición mostrará su obra en detalle por primera vez, revelando así la diversidad de una práctica artística que incluye pintura abstracta, arte conceptual, acciones performativas en la calle y en el estudio, poesía, mail art, escultura, instalaciones y land art. Se analizará el contexto de su trabajo, su activismo en la Art Workers’ Coalition (Coalición de Trabajadores de Arte), su asociación con artistas contemporáneos como Carl Andre, Hollis Frampton, Sol LeWitt e Yvonne Rainer, entre otros, y su relación con el feminismo.

Castoro inició su trayectoria en las artes gráficas, como atestigua la gran importancia del dibujo en su producción. Interesada también en la danza, mientras estudiaba en el Pratt Institute de Nueva York coreografió e interpretó sus propias creaciones. Si bien después su interés se desplazó hacia la pintura, lo que marca su obra es precisamente su forma de leer el espacio desde la perspectiva de la danza y su reconocimiento de la interrelación entre estas dos formas artísticas. La exploración simultánea del color y la estructura en la pintura fue su mayor preocupación en las sucesivas series de la década de los sesenta. Más adelante, una vez abandonado el color, Castoro introdujo un nuevo elemento espacial en su obra con series de múltiples paneles de yeso y grafito, apoyados directamente sobre el suelo. Exhibidas por primera vez en la Tibor de Nagy Gallery en 1971, son piezas a escala arquitectónica que, pese a su origen pictórico, están más cerca de la escultura minimalista. La importancia de la danza como referente se manifiesta en sus diarios a través de fotografías performativas de sus obras, descritas por la propia artista como «contenedores» y escenarios para el cuerpo. Castoro transforma sus exploraciones de la superficie de los paneles en pinceladas escultóricas montadas sobre la pared, a la manera de signos taquigráficos como los que dedicó a su amiga Agnes Martin. Sus proyectos site-specific incluyen Gallery Cracking, intervención de carácter arquitectónico creada para la emblemática serie de exposiciones de Lucy Lippard, Numbers –en esta ocasión 555,087 en el Seattle Arts Museum en 1969. Para 955,000, en la Vancouver Art Gallery, Castoro produjo Room Revelation (1970), uno de los primeros ejemplos de instalación participativa, que recrearemos por primera vez en el MACBA. Posteriormente, Castoro exploró la abstracción postminimalista, con instalaciones esculturales de resina epoxi en 1974-1975, y una serie de intervenciones efímeras en el paisaje usando ramas. Entre sus obras situadas en emplazamientos urbanos destacan Trap-a-Zoid (1978), creada para Creative Time, y Flashers, piezas totémicas de acero u hormigón iniciadas en 1979.

Castoro_Rosemarie_Graphite_White_Raw_1968
La exposición pondrá de manifiesto la gran aportación de Castoro al concepto de «intermedia», o interrelación entre pintura, escultura, dibujo, leguaje y performance. La intención es demostrar cómo algunas de las figuras más relevantes del minimalismo no han recibido la atención que merecen, en especial el grupo de mujeres artistas pertenecientes a un movimiento erróneamente identificado como esencialmente masculino, pero que, como dice Lippard, «subvirtió el minimalismo en su propio terreno». Como consecuencia de esta consideración de la obra de Castoro, la exposición subrayará la necesidad de repensar el minimalismo, expandiéndolo para incluir a un mayor número de artistas y cuestionando los relatos hegemónicos de este movimiento.

Comisaria: Tanya Barson

09 nov. 2017 al 15 abr. 2018

Teatre Goya. Incendios.

incendios-teatro-m040717.originalUna dona acaba de morir. Es deia Nawal Marwan. I avui, en la lectura del testament, ella obre la porta al seu silenci i als seus secrets, als misteris dolorosos d’una família. Ha deixat als seus bessons, Jeanne i Simon, un quadern vermell, una jaqueta de tela verda i dos sobres amb una petició plena de conseqüències, com sengles caixes de Pandora, orígens de mals i meravelles, el contingut de les quals arrossegarà als bessons cap a un passat desconegut, cap a un continent llunyà, cap a un segon naixement.

Fins al 26 de novembre de 2017.

Premi Millor Espectacle de l’Any
Premi Millor Director d’Escena a Marios Gas

Premios II Premios José Estruch del Teatro Principal de Alicante