2014 - Restaurant Ca L'Estevet

Teatre Goya. Prendre Partit. Del 6 de diciembre de 2014 al 1 de febrero de 2015

작성자 Restaurant Estevet | 12월 1, 2014 | Cultura

Berlín, 1946, una ciudad destruida como consecuencia de la guerra. Destrucción, desorientación, muerte; el final de una etapa. Asistimos a los prolegómenos e investigaciones preparatorias para el juicio que llevará a cabo la Comisión Anti-nazi para los Artistas. El comandante Steve Arnold recibe el encargo de investigar las implicaciones del director de orquesta Wilheim Furtwängler acusado de colaboracionismo con el régimen nazi durante la II Guerra Mundial.
El texto aborda la Alemania post-nazi de 1946 y pretende involucrar al espectador como parte y testimonio de un juicio abierto que presenta dos actitudes absolutamente opuestas ante la terrible realidad política del Tercer Reich.
El autor nos coloca ante la eterna confrontación entre cultura y poder, entre arte y política. Y nos invita a tomar partido.

AUTOR: Ronald Harwood
DIRECCIÓN: Josep Maria Pou

CCCB. Arissa. La sombra y el fotógrafo, 1922-1936.

작성자 Restaurant Estevet | 11월 27, 2014 | Cultura

Antoni Arissa (Sant Andreu 1900 – Barcelona 1980) fue probablemente el fotógrafo que aplicó de un modo más interesante los principios de la Nueva Visión en nuestro país y es uno de los fotógrafos de referencia en nuestro país. La paulatina implantación de los principios de la typophoto, promovidos por Laszlo Moholy-Nagy, propició el nacimiento de un nuevo lenguaje visual en el que la fotografía se convirtió en la sustituta del dibujo, renovando el diseño de carteles, libros, revistas y periódicos. Arissa, impresor de oficio, trabajando desde Barcelona, se inserta plenamente en esta tendencia.

La muestra que ahora acoge el CCCB está compuesta por más de 160 fotografías en blanco y negro que recorren su trayectoria profesional a través de tres bloques estilísticos: el pictorialismo, entre 1922 y 1928; la evolución hacia

ARISABAJA3

las soluciones visuales de la modernidad hasta el comienzo de los años treinta y la Nueva Visión, desde 1930 hasta 1936, cuando Arissa se incorpora plenamente a las vanguardias fotográficas.
Las fotografías de la exposición provienen de las colecciones de negativos preservados por Fundación Telefónica y el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya e incorpora los escasos tirajes efectuados por el autor que se conservan en papel. El proyecto culmina los esfuerzos de Fundación Telefónica en la recuperación de archivos fotográficos, labor iniciada con el Archivo Fotográfico de la Compañía y ampliada posteriormente con fotógrafos como Luis Ramón Marín, Josep Brangulí (a quien el CCCB ya dedicó una exposición en el año 2011) y Virxilio Vieitez.

Del 14 noviembre 2014 al 12 abril 2015.

FILMOTECA. El mur de Berlín i l’humor bolxevic. 04/11/2014 – 30/11/2014

작성자 Restaurant Estevet | 11월 12, 2014 | Artículos en prensa, Cultura

La caiguda del mur de Berlín, ara fa 25 anys, va treure a la llum les misèries del somni comunista. Poc després de la Revolució, tanmateix, els bolxevics també reien. I, per demostrar-ho, projectem una sèrie de comèdies soviètiques dels anys vint, procedents dels arxius de la Cinémathèque de Toulouse, que enguany celebra el seu 50è aniversari.Les aventures extraordinàries de Mr. West al país dels bolxevicsés la més coneguda, però La venedora de cigarretes de Mosselprom és una joia a descobrir. La guerra freda va esvair, tanmateix, qualsevol somriure del món dels espies descrits per John Le Carré a The Spy Who Came in from the Cold, o del de Len Deighton a Funeral in Berlín, amb el terrorisme que va sorgir a les dues Alemanyes (Die Stille nach dem Schuss) o els desesperats intents de creuar de l’est a l’oest (Der Tunnel) amb un final feliç (Good Bye Lenin!), que demostra, com va fer Billy Wilder a One, Two, Three, que l’humor és una arma eficaç contra qualsevol intolerància.

Intervalo. Acciones sonoras. 7 noviembre 2014 – 15 febrero 2015

작성자 Restaurant Estevet | 11월 7, 2014 | Cultura, Noticias

Intervalo. Acciones sonoras es un ensayo sobre los contextos de escucha. La tradición musical occidental de los últimos dos siglos (dominada por la música que se llama a sí misma culta) ha intentado neutralizar y hasta borrar los contextos de escucha. Según aquella tradición, la escucha musical sólo es posible y sólo llega a ser plena en la más absoluta concentración, y rodeada del más estricto silencio; el silencio sepulcral es así el único contexto adecuado para la escucha musical, un contexto que más bien es un no contexto, una ausencia (ideal) de contexto. Pero lo cierto es que la escucha musical se da siempre rodeada de otras cosas, rodeada, por ejemplo, de ruido (el ruido que, dice Jacques Attali, es la manifestación constante de la vida). Y esas otras cosas que se dan en el contexto en el que ocurre la escucha no sólo condicionan nuestra actitud de escucha (no sólo tienen un efecto psicológico) sino que transforman la música misma. En la era digital, dice Peter Szendy, el oyente altera la música, opera con ella (hace obras con ella) de manera digital, es decir, numéricamente (con dígitos), pero también con los dedos, como el DJque modifica el giro de un vinilo tocándolo con las manos. Se trata, por lo tanto, de una escucha que toca.

Cuando la música entra en el museo de arte contemporáneo, y se convierte en lo que suele llamarse arte sonoro, deja de exigir la neutralización de su contexto de escucha; pero, como si se tratase de un mecanismo de compensación, pide ser presentada como obra de arte. Se subrayan entonces el soporte físico, la dimensión escenográfica operformativa, la partitura, la grabación, la documentación (sea cual sea la índole de esta). Se magnifica, en suma, su contexto, pero dejando de lado, precisamente, que se trata también de un contexto de escucha. Se suele pensar que el museo no es el lugar adecuado para la escucha, y tal vez sea por ello que en sus salas proliferan tanto los auriculares (como proliferan, por ejemplo, en el metro).

La condición de posibilidad de Intervalo. Acciones sonoras es la Fundació Antoni Tàpies como contexto de escucha. Y, a partir de esta condición, plantea como pregunta no sólo cómo suena la música en el museo, sino cómo suena el museo. La propuesta consta de instalaciones sonoras, vídeos, conferencias, conciertos y un ciclo de programas de radio.

MACBA. LA PASIÓN SEGÚN CAROL RAMA. 31 oct. 2014 al 22 feb. 2015

작성자 Restaurant Estevet | 10월 29, 2014 | Cultura

Esta exposición tiene como objetivo no solo dar visibilidad al trabajo de Carol Rama, sino también cuestionar los relatos dominantes de la historiografía del arte con un trabajo que obliga a desmantelar narrativas y reformular conceptos. Olvidada tanto por la historiografía hegemónica como por el relato feminista, la obra de Carol Rama, que se extiende a lo largo de siete décadas (1936-2006), constituye un contra-archivo que permite reconstruir los movimientos de vanguardia del siglo XX.

Desde sus primeras acuarelas de los años treinta, Carol Rama inventa una gramática visual propia que contrasta con las representaciones de la sexualidad de la modernidad: el cuerpo femenino –al mismo tiempo mutilado y amenazante, violentado e irreductiblemente deseante–se presenta activo y vital. La paleta carnal del fauvismo le sirve para apoyar una propuesta subversiva: la intensidad de los colores reservados para la vulva o la lengua denotan la resistencia del cuerpo a las fuerzas que lo dominan y a las instituciones que lo subyugan. Estas obras inician una constante en el trabajo de Rama hasta 2006: nos referimos a las cartografías del deseo disidente, los diagramas del inconsciente y de sus estrategias de resistencia a la normalización.

Carol Rama transita por la abstracción en los años cincuenta; se aproxima al informalismo y al espacialismo en los sesenta con la creación de bricolages y de mapas orgánicos hechos de ojos y uñas de taxidermista, de cánulas, signos matemáticos, jeringas y conexiones eléctricas, hasta la composición en los setenta de una imagen-materia fabricada con gomas de neumáticos. Y vuelve, en los últimos años, al uso libre de la forma. Carol Rama inventa el sensurrealismo, el arte visceral-concreto, el porno brut, la abstracción orgánica. Actualmente se la considera una artista imprescindible para entender las mutaciones de la representación en el siglo XX y el trabajo posterior de artistas como Cindy Sherman, Kara Walker, Sue Williams, Kiki Smith y Elly Strik.

Comisarias: Teresa Grandas y Beatriz Preciado
Exposición concebida por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y el Musée d’art moderne de la Ville de Paris (MAMVP), organizada por el MACBA y coproducida con PARIS MUSÉES / MAMVP, EMMA – Espoo Museum of Modern Art, Irish Museum of Modern Art, Dublín (IMMA) y GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Turín.